La fotografía de Nuria Roldós AEC en ‘Vivir dos veces’ de María Ripoll

La película es la más nominada a los Premios del Audiovisual Valenciano

Autora: Carmen V. Albert

Vivir dos veces, estrenada el pasado 6 de septiembre, se rodó en diversas localizaciones de Valencia y Castellón. Este viernes, la película acude a la Gala de entrega de los Premios del Audiovisual Valenciano, donde compite con 12 nominaciones. Asimismo, el próximo día 2 de diciembre sabremos si también obtiene alguna nominación de las 21 candidaturas de los Premios Goya con las que cuenta.

El film está protagonizado por Oscar Martínez, Inma Cuesta, Mafalda Carbonell y Nacho López y cuenta la historia de Emilio (Óscar Martínez), su hija Julia (Inma Cuesta) y su nieta Blanca (Mafalda Carbonell), quienes emprenden un viaje para ayudarle a encontrar a su amor de juventud antes de que le falle la memoria definitivamente.  

Alamar Cinema 161 AIE, Convoy Films y Plural Jempsa son las productoras de Vivir dos veces. Hablamos con Nuria Roldós sobre su trabajo fotográfico en esta historia que habla de la enfermedad del Alzheimer en tono de tragicomedia.

ENTREVISTA A NURIA ROLDÓS, DIRECTORA DE FOTOGRAFÍA

¿Cómo entraste en este proyecto de sello valenciano?

Me contactó Lorena Lluch, directora de producción. Yo ya había rodado una película en Valencia y le hablaron de mí, al tiempo que buscaban jefes de equipo mujeres. Cuando Lorena le propuso a María que fuera yo la DoP estuvo encantada, porque ya nos conocíamos de hace mucho tiempo, habíamos rodado mucho cuando las dos éramos ayudantes y luego rodamos juntas un capítulo en una serie en nuestros primeros trabajos, ella como directora ella y yo como directora de fotografía.

¿Cuánto tiempo rodasteis? ¿Te implicaste en la búsqueda de localizaciones?

Fueron 6 semanas de equipo completo y media de equipo reducido rodando carreteras, plates y planos de calles con los grafitis. 

Rodamos en Valencia ciudad, en el Barrio del Carmen, en La Albufera y algunos alrededores. Sí, evidentemente uno se implica en las localizaciones, hay una primera selección por parte del equipo de localizaciones y luego entramos nosotrxs. Para la dirección de fotografía es básico implicarse, puedes aportar mucho en el momento de tomar una decisión sobre las localizaciones. Paradójicamente la luz es lo único que no se ve, necesita caer sobre los elementos del decorado o del decorado en sí para crear una atmósfera, según qué cantidad o qué calidad de luz creas la percepción que buscas.  

La historia a priori presenta un reto a la hora de elegir su tratamiento, que es el optar por la comedia a la hora de hablar del Alzheimer sin caer en la superficialidad. ¿Cómo te transmitió la directora este tratamiento y la aproximación visual que quería que le dieras?

Sí, esto es importante y María lo tenía muy claro; por encima de todo queríamos ser muy respetuosos con el tema del Alzheimer,pero queríamos buscar una manera visual de mostrarlo. Aunque tampoco es el único tema que se pone encima de la mesa realmente. 

Yo le propuse a María, para representar estas ausencias o mezclas de la realidad que la enfermedad puede provocar, que jugáramos con los reflejos, realidades que se reflejan sobre la secuencia en la que estamos, y, de manera sutil, hay en la película encuadres que buscan sobreponer realidades. 

La primera idea era ambiciosa, porque se trataría de organizar movimientos de cámara que arrancan en una escena normal y con un pequeño movimiento entrarían en un reflejo que puede ser una calle, otra parte del decorado, un recuerdo …. Por supuesto, la realidad nos pasó por encima y no teníamos el tiempo que esto iba a pedir, así que nos conformamos con aprovechar lo que los decorados podían ofrecer. 

Luego, fuimos encontrando más elementos para representar la enfermedad, el paso de tiempo, el deterioro …  por ejemplo, también hay un trabajo de deterioro en los grafitis de las calles por donde nuestro protagonista se mueve, que es muy sutil pero esta allí. Es un trabajo digital que se hizo en Elamedia Estudios.

Hay muchos temas en la película que se entrecruzan, además del mencionado: la idea de familia, los saltos generacionales, la influencia actual de internet y las redes sociales… y, además, hay un hilo argumental de road movie. ¿Cómo trataste este último punto, hubo algún tratamiento específico a nivel visual en los exteriores? 

La road movie de la película es una metáfora, los personajes de la película hacen un viaje interior muy importante para ellos y para la relación entre ellos. En realidad, no viajamos mucho, y las secuencias interior coche están rodadas en plató, los rodajes con plataforma, low loader o cámara car son bastante pesados y se emplea mucho tiempo en poder hacer una segunda toma. Hay mucho diálogo en las secuencias de coche y nos parecía demasiado arriesgado. Había varios factores: una niña de 10 años, en alguna secuencia 4 personajes dentro del coche… así que nos decidimos por plató.   

Pero entonces sí cuidamos los exteriores que se incrustaron y los planos de dron, y otras carreteras, porque al final lo que estás buscando es que el espectador tenga la percepción de este viaje interior. 

¿Qué equipamiento de cámara usaste y cuál fue el motivo de esta elección?

Trabajamos con la Alexa Mini y ópticas Cooke S4. La Alexa Mini me gusta mucho, tiene mucha calidad y para mí tiene textura de cine, es una cámara pequeña, cabes en todos lados… y me gustan las Cooke porque tienen menos ‘rabia’ que las Zeiss y pensé que en esta historia ayudaría.

¿Cómo te planteaste retratar a tus personajes? ¿Qué focales utilizaste?

La primera idea de María era no mover mucho la cámara, dejar que los actores se movieran dentro del encuadre. Más o menos lo llevamos a cabo y quizás la óptica más usada es la 40mm. 

En cuanto a la iluminación, ¿qué esquema visual has seguido? ¿qué fuentes de luz usaste?

Buscábamos naturalidad … aunque también dejábamos la puerta abierta para cierta manipulación. Es una comedia, por lo que de alguna manera necesitas luz, ver a los actores, pero es verdad que hay momentos duros en los que hemos contrastado más, hemos dejado solo la luz de contra, por ejemplo. 

Hemos usado HMI siempre que podíamos iluminar desde fuera, pantallas de led Skypanel, Asteras … lo habitual. También usamos la manta de leds, que no había usado nunca y la verdad que en algún momento nos ha sacado de apuros.

Se aprecian algunos interiores un poco subexpuestos. ¿Puedes contarnos qué concepción había detrás de esto?

La película es una tragicomedia, un género mas difícil que la comedia, creo, pero la verdad es que al principio en la cabeza teníamos un porcentaje de comedia más elevado que fue cambiando, y esto a nivel de luz quiere decir que aunque sea comedia también necesitamos momentos recogidos, momentos de crear un ambiente que ayude al espectador a focalizar en lo que quieres contar en este momento. Para ponerte un ejemplo, en la secuencia donde Blanca le enseña al abuelo el juego de números en el móvil es día y en la siguiente secuencia estamos en el mismo decorado y les vemos sentados en un sofá como en una penumbra; yo quería marcar que ha pasado el tiempo, no se han dado cuenta que han pasado horas y marca el principio de la amistad que se crea entre ellos. 

Algunas composiciones son interesantes. ¿Qué puedes contarnos sobre el trabajo de cámara? ¿Te involucraste en la puesta en escena?

Sí, claro, te involucras, por que se trata de tener un lenguaje para la película. Los encuadres del principio, por ejemplo, cuando el médico está explicando la enfermedad, es una voz en off y el protagonista está en su despacho. Con los desencuadres queríamos potenciar este descoloque del personaje: él, que es un matemático universitario … ¡no puede estar pasándole esto!  Luego, toda la búsqueda de reflejos para potenciar distintos momentos, nos obliga a unos encuadres buscados, claro.

¿Habéis manejado referencias para este trabajo que hayáis puesto en común María y tú? 

Sí nos dimos bastantes referencias. Vimos la serie The end of the fucking world, por ejemplo, o la película Capitan Fantastic, de la cual muchos puntos nos gustaban y fue una referencia para rodar, la idea de colores fuertes en el vestuario mezclados con la suavidad. Luego, en la corrección de color nos hemos alejado un poco y hemos encontrado lo que realmente le va a la película. 

Otra referencia fue la fotografía de Saul Leiter, vi una exposición cuando ya estábamos hablando del tono de la película con María y fue una inspiración. 

¿Qué escena o secuencia destacas de la película?

La escena de la Universidad, por ser un momento de la película en que nos vamos al pasado, y es la única vez que nos lo permitimos de una manera literal, es un flashback pero con los personajes reales, la hija y la nieta del abuelo están allí, el reto era que quedara integrado con el resto. Creo que se solucionó muy bien, con un acercamiento al abuelo de espaldas en el apartamento y en el momento siguiente ya estamos en la universidad, muy elegante. 

Otra cosa son los recuerdos del abuelo, de su infancia que tratamos de un modo completamente distinto. Se han rodado muchas aulas universitarias en toda la historia del cine, y pensamos en lo que podíamos aportar nosotros.